Formada em Jornalismo pela PUCRS, Raquel Brust é uma artista multimídia que trabalha com foto, vídeo e instalações. Um bom exemplo disso é Giganto, um projeto de intervenções urbanas com fotografias hiperdimensionadas. Expostos pelas ruas do país, elas rompem padrões de comportamento pré-estabelecidos, tanto com a arte, como com o meio urbano e até entre as próprias pessoas.

Como e por qual motivo tu escolheu a fotografia? Tu acredita que a opção pelo uso de linguagens artísticas que não são “naturais da rua” (como no caso de Giganto, com fotografias hiperdimensionadas), o deslocamento gerado por elas nesse ambiente, exacerba a capacidade que a arte tem de nos tirar da realidade cotidiana, criar reflexões?

Todo mundo gosta de se deslocar para o fantástico mundo das imagens. Escolhi fotografia porque gostava de aprisionar a memória. Gosto de recortar os momentos, congelar as emoções para vivenciá-las novamente mais tarde. Gosto de lidar com o tempo e com a imaginação, sempre gostei da magia do reflexo. A câmera fotográfica é um jogo do espelhos, quando você fotografa o que você sente, você acaba vendo sua própria alma refletida nas imagens.

Escolhi a fotografia, ou ela me escolheu na adolescência. Durante o curso de Jornalismo na PUCRS, desenvolvi e aperfeiçoei a linguagem. Neste período acompanhei o movimento crescente da street art em Porto Alegre, e esse foi o tema da minha primeira exposição intitulada “Olho do Muro”, que posteriormente foi exibido na coletiva Transfer (nós do Coletivo Intervenções fizemos a cobertura exclusiva do evento). Levei a textura dos muros pra a galeria, agora levo as fotografia para os muros. Como já disse, não vejo fronteira entre rua e galeria e prefiro dinamizar esse fluxo, isso só alimenta meu trabalho.

O Giganto altera a paisagem e isso já é uma ruptura do cotidiano. A imagem fotográfica funciona muito bem porque gera imediatamente reflexões bem subjetivas de identificação. Quando o expectador vê um rosto, ele remete aquela imagem a si mesmo, ou a alguém que conhece, como um avô, uma tia, um vizinho. É muito atraente também ver sua própria imagem ampliada, digo isso pois nos vemos como humanos, e aquele ser gigante representa a todos. O projeto é sobre valorização do indivíduo, é uma experiência fotográfica de deslocamento da imagem, de buscar outra dimensão; é meta do projeto entender como essa imagem será interpretada.  Ativa também um outro censo de responsabilidade diante da cidade, onde nós humanos constituímos o concreto, somos parte ativa do caos.

Acaba rolando uma espécie de vínculo com as histórias e as próprias pessoas que tu fotografa?

Fotografo porque quero criar vínculos com a memória. Na minha busca pelo saber, encontro nas pessoas doses de sabedoria. Fotografo o rosto delas porque é a estampa de toda uma vida. Elas me comovem cada uma a sua maneira, e a cada Giganto novos laços são formados.

Eu tenho que procurar meus retratados, ficar atenta a algo que me desperte, que mostre um pouco de alma, um vinco, um olhar, um gesto, um brilho. Aproximar-se e fotografar uma pessoa, já é um ato bem íntimo que exige troca mútua; transformá-la em Giganto pode ser uma marca transformadora em sua vida. Existe muita emoção no encontro da pessoa com sua própria imagem e isso é inesquecível.

O próprio Giganto também cria vínculos com a comunidade e local que convive. As pessoas ficam bem apegadas a imagem e se tornam guardiões do painel. Acho que isso acontece porque sentem a energia de todos que estão envolvido no projeto, sentem que cada etapa é realizada com dedicação e empenho.

“Acredito que encontrei uma maneira de estreitar laços entre arte, público e cotidiano.  Mas esse é só um exemplo, nas instalações isso é recorrente; a maioria depende do ambiente e da reação do espectador para realmente acontecer, não são obras passivas, são ativas, são vivas, dependem do que você vai fazer com elas.”

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Leia a entrevista original e completa no site da Ponto Eletrônico.

Conheça mais sobre o trabalho de Raquel Brust no Flickr e sobre o projeto Giganto no Facebook.

Todas as imagens são de reprodução e de direitos da artista. O conteúdo do post é de direito de Mari Messias, da Ponto Eletrônico.

Os caras do Vamo pra Rua já estiveram por aqui numa entrevista incrível. E como eles não param, já estão de volta, agora com  seu novo vídeo. Neste caso não vou falar nada, prefiro que vocês assistam:

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Hoje, na categoria Galeria apresentamos um artista urbano de destaque, que há tempos estamos conversando e conhecendo melhor seu trabalho. Segue nossa entrevista exclusiva!

Renato Oliveira, mais conhecido como “Rage”, trabalha como designer e utiliza as horas vagas para interagir no meio urbano. Através da arte, Rage busca fazer com que as pessoas, no cotidiano da cidade, reflitam sobre o que se vê e absorvam o conceito, cada um à sua maneira.

As intervenções são feitas em locais públicos ou meios de transporte, com a intenção de distrair e estimular a visão de lugar-comum de quem transita pelos locais, provocando qualquer sentimento além do cotidiano banal, ou pelo menos um sorriso.

Entre as diversas intervenções em São Paulo, ele comenta sobre as  que mais chamaram a atenção do nosso coletivo:

Image Not Found (ou Mundo Virtual):

“Com essa intervenção, eu procuro ironizar a “vida virtual”, que muita gente dá até mais importancia que a vida real. Quando eu estou no trem, metro ou ônibus mesmo, eu costumo observar as pessoas, e vejo que boa parte delas sempre está mexendo no celular, usando a internet, mandando sms ou coisas do tipo. E esse é um dos motivos para eu focar essa intervenção em trens e metrôs. Até porque o suporte encaixa perfeitamente”

Teias de aranha:

“A idéia inicial era mostrar como o mundo está se tornando cada dia mais artificial. Com essa ideia de montar algo que remetesse ao natural (a teia) utilizando um material artificial (o barbante). Porém eu comecei a ver que outras pessoas enxergavam de modo diferente, como uma critica também a “rede” de computadores (internet), por exemplo, ou com significados de rituais antigos, que veneravam as teias. Essa possibilidade de cada um enxergar de uma maneira diferente é uma das coisas que gosto bastante no meu trabalho.”

Remédios:

“Com os remédios o objetivo é mostrar um pouco das “doenças” da sociedade que normalmente eu observo e mostrar para as pessoas que aquilo tem cura. Por enquanto tenho o Hipocrisil® (contra hipocrisia), Bom-senso®, Desapego®. Mas tenho uma listinha de vários outros que estão por vir.”

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Além destas, ainda há outras intervenções, exposições, oficinas e trabalhos de Rage que vale a pena conhecer, como a série Futility – A internet evoluiu, e a futilidade também,  e as Oficinas de Stencil para a criançada (fotos abaixo). Acesse seu site e o portifa no Flickr

Nós do Intervenções mantemos nosso compromisso de divulgar artistas como Rage. Se você tem um trabalho bacana, em qualquer cidade do mundo, mande para nós e publicaremos na categoria Galeria e Rede de Coletivos.

Rage, obrigado pela entrevista e seguimos aqui apreciando seu trampo. #noix!

Fonte: Fotos e Vídeos de Renato Oliveira

Para dar ainda mais foco nesta missão, criamos uma nova categoria, a Rede de Coletivos, que pretende apresentar o trabalho desta galera que está no dia-a-dia nas ruas criando suas ações e transformando nosso cotidiano e o visual das próprias cidades.

E lançando esta nossa categoria de posts, começamos com uma entrevista exclusiva com o Coletivo RUA da cidade de São Paulo. Tenho acompanhando o trabalho deles na internet e achei interessante a proposta e a forma como eles utilizam as ferramentas sociais disponíveis para divulgar as ações. Então vamos à  entrevista!

Como surgiu a ideia de formar o RUA?
A RUA surgiu de conversas entre amigos sobre o que a gente podia fazer aqui em sampa pra que as pessoas gostassem mais da cidade que vivem. Como basicamente todo mundo envolvido tem ligação com design, publicidade, ilustração, fotografia, edição de vídeos, a gente chegou à conclusão que fazer arte nas ruas de sampa era a melhor forma das  pessoas prestarem atenção no que a gente realmente quer que todo mundo veja, a própria cidade de São Paulo.

Qual é a proposta do Coletivo?
Sempre fomos muito ligados na cultura de stickers e arte de rua. O que a gente esta tentando é ligar o movimento da arte com a atenção como um todo, desde os problemas às coisas legais que sampa tem. Fazer as pessoas deixarem de considerar o trajeto ao trabalho, escola, casa como um simples trajeto. É perceber que em volta de cada um de nós tem algo acontecendo. A cidade a nossa volta é um lugar em comum pra todos, independente dos interesses pessoais.

Quem são as pessoas envolvidas?
A RUA não tem uma equipe fixa, até porque queremos que todo mundo se sinta parte do coletivo, que possa sentir que ajudou aquilo a acontecer de uma forma ou de outra.

Basicamente em cada uma das ideias a gente sai atrás de gente que queira ajudar e juntar a quantidade de pessoas que faça ser viável a intervenção e produzir o vídeo.

Tanto que em cada vídeo temos uma leva de agradecimentos. Além da galera que ajuda a divulgar a ação pela internet, que se for ver, são até mais importantes do que quem vai pra RUA fazer a parada. A ideia mesmo é que cada vez mais pessoas estejam envolvidas, pra criar ações cada vez maiores.

Projetos futuros?
Agora em outubro lançaremos a terceira parte do projeto Non Dvcor Dvco, que tem a cidade de SP como foco e é uma introdução pra galera entender onde mora e abraçar a ideia com a gente.

Em novembro, lançaremos o projeto 011- a porta da RUA, que começaremos em maio com uma galera que trabalha em agências de publicidade e provavelmente em novembro mesmo, uma nova festa que todos participarão de uma intervenção coletiva que levaremos pra RUA, assim como a primeira parte do Non dvcor, dvco (primeiro vídeo abaixo).

Abaixo, alguns dos vídeos dos caras:

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Acompanhe o movimento do RUA no Facebook.

Agradecimento ao Rafael do Coletivo RUA que nos cedeu a entrevista, as imagens e o vídeo. Vida longa a Coletivo!

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A arte que para muitos é tratada como arte de rua ou urbana tomou seu espaço e se estabece como arte contemporânea. O documentário “De Dentro pra Fora, De Fora pra Dentro“, produzido na exposição que leva o mesmo nome, realizada pelo MASP e a galeria Choque Cultural, discute o pensamento, o estilo de vida, as lutas e referências dessa modalidade de arte dentro do cenário atual.  Recém disponível na web, trouxemos em primeira mão para nossos leitores!

“Fizemos videos perfis dos artistas pra rodar no educativo da exposição e também um curta metragem com curadores analisando para onde essa arte está indo e porque um museu de arte, o MASP –  maior da américa latina, estava interessado em receber pela primeira vez a arte de rua. Era um momento histórico que não podíamos perder. Trabalhamos o curta em alguns festivais e agora está diponível na web para todo mundo poder assistir”, diz a diretora Fernanda Macedo, que também é nossa colaboradora aqui no Coletivo Intervenções.

Ficha Técnica da equipe:

Direção: Fernanda Macedo

Roteiro: Ivi Brasil

Fotografia: Fausto Nocetti, Tatiana Viana, Aldo Ribeiro

Montagem: Pedro Andreta

Arte: Joana Dantas

Produção de INIT artevisual

O nosso coletivo, com orgulho, parabeniza a equipe pelo belíssimo trabalho!

Aconteceu nesta segunda-feira, na Livraria Cultura da Av. Paulista, um encontro entre artistas e seu público. MZK, Presto e SHN, juntamente com Baixo Ribeiro (Galeria Choque Cultural) lançaram o livro com intervenções em páginas gigantes de  O Livro da Nina Para Guardar Pequenas Coisas, feito artesanalmente por Keith Haring para presentear Nina Clemente – filha do pintor italiano Francesco Clemente – em seu aniversário de 7 anos.

Outros artistas da Choque, como Carla Barth, Carlos Dias, Jotape, Mariana Martins, Pjota e Speto interagiram com as propostas de Haring nos próprios exemplares do livro, também expostos na vitrine.

Em meio ao debate, pude fazer algumas perguntas a respeito das novas mídias como ferramenta de pesquisa, suporte e divulgação da arte. De forma unanime, os artistas consideram a internet uma ferramenta fundamental em seus trabalhos.

Segundo relatos, eles se surpreendem quando visitam cidades distantes e descobrem que muita gente acompanha a cena da arte urbana e reconhece os trabalhos. A web e as redes sociais possibilitaram a conexão tanto com as pessoas que consomem arte, como artistas de outros países que buscam desenvolver parcerias.

Existe também a possibilidade de fazer um trabalho mais completo.  Além das peças, é possível produzir mini-documentários, série de fotos, entre outras formas de completar a expressão criada pelo artista.

“Muitos deles foram descobertos pela galeria através de fotos, vídeos e posts feitos nos blogs pessoais”, diz Baixo, um dos sócios da Choque Cultural.

O projeto foi lançado no Brasil pela Editora Cosac & Naify.

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A arte urbana pode ajudar a conquistar o amor da sua vida. Foi o que fez o artista do vídeo produzido pelo PR!MO.

Dica de @GuyKawasaki

Dica by @geckomania

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A banda Black Eyed Peas fez um show na Avenida Michigan, Chicago, em comemoração à 24ª temporada do programa da Oprah Winfrey, e organizou um flash mod com mais de 20 mil pessoas.

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Na rua Bergen, Brooklyn, New York, funcionava a fábrica que inventou o brinquedo Cachorro Invisível, na década de 70. Em 2009, mais de 2 mil pessoas passaram por lá com seus brinquedos.

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Em 2010, mais de três mil nova-iorquinos participaram da nona edição do “No Pants! Subway Ride”. No total foram 44 cidades espalhadas pelo mundo que reuniram mais de cinco mil pessoas que baixaram suas calças para entrar no metrô.

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O primeiro Zombie Walk, em Toronto, no ano de 2003, contou com apenas seis participantes. Neste vídeo já são mais de 400.

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A companhia sueca de dança Bounce reuniu mais de 300 dançarinos em uma praça para homenagear o cantor Michael Jackson.

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Em 2006, mais de 200 agentes do grupo Improv Everywhere congelaram-se em seus lugares ao mesmo tempo, durante 5 minutos na estação Grand Central, New York.

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No The Mp3 Experiment Tour, mais de 2 mil pessoas acionam ao mesmo tempo o play de seus respectivos aparelhos de Mp3 e iniciam uma guerra de balões.

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Em 2007, na Union Square, New York, centenas de pessoas realizaram uma guerra de travesseiros. O evento acontece em diversas cidades do mundo durante um determinado dia. Em 2010 será em 3 de abril, mais informações com @FlashMobSP

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by @veja

As 5 respostas mais criativas para a pergunta “Por que o Cusco faz arte de verdade?” vão levar um dos exemplares do lambe pra casa.  O concurso vai até dia 09/03 às 17:00hs, mas fique ligado que até o final da semana que vem vai rolar o lambe do Estudio Alice e da Carla, artistas que pintaram a Cowddy na Cow Parade esse ano!

Para participar é simples:

+Siga o @toddybrasil
+Responda no seu twitter “Por que o Cusco faz arte de verdade?”
+E anexe o link http://tr.im/toddycusco ao final do seu twitt

Para ver o regulamento é só clicar aqui.

Daniel Melim nasceu em São Bernardo do Campo em 1979. Pós graduou-se em Artes Visuais, mas foi nas ruas do seu bairro que aprendeu a pintar, fazendo graffiti e intervenções urbanas, quase sempre associadas ao estêncil, técnica de pintura sobre máscaras com imagens vasadas.

O imaginário pesquisado por Melim, remete ao conforto de figuras retiradas de compêndios de clichês de publicidade antiga e simbolizam o mundo ingenuamente feliz, projetado pela propaganda. Mas o uso dessas imagens é, invariavelmente, crítico. O artista transforma os clichês em estêncils e os aplica, às vezes com ironia, às vezes desprezando a qualidade simbólica da imagem e ficando apenas com a textura proporcionada pelas manchas de tinta. Cria, quase sempre, resíduos de imagens borradas e desfocadas, quase desfiguradas e transformadas em ruido visual.

Melim produz telas e murais. No caso das intervenções urbanas, as texturas já estão prontas para serem usadas. O artista pesquisa os lugares que receberão as intervenções, olhando para a sujeira e o desgaste dos muros, provocado pelo tempo e pelo uso. Pátinas, rabiscos, pinturas descascadas, tudo vai sendo apropriado pelo artista e transformados em texturas e composições.

Daniel Melim estreia sua exposição a partir de 20/2  na galeria Choque Cultural.

Sua obra é toda fundamentada em personagens medindo no máximo 5 milímetros, que são utilizados conforme a necessidade da instalação. Os  pequenos bonecos são deixados discretamente em praças, calçadas, banheiros e outros lugares públicos de Londres, para que possam interagir, criando um universo inusitado onde a arte de Slinkachu se mistura harmoniosamente aos objetos, lixos e insetos desses lugares.

O mais incrível é que após fotografada para o blog do artista, a obra é deixada para trás, sofrendo as consequências do tempo ou de um pedestre desavisado. Mesmo por que, Slinkachu se tornou conhecido e reuniu milhares de fãs pelo mundo justamente por causa do seu blog, que vale muito a pena ser visitado. Já suas instalações não têm a mesma sorte, perdem-se pelo caminho, sendo que na maioria das vezes sequer são notadas.

Ao ir a Londres, cuidado, você pode pisar numa obra de arte.

Àqueles que desejam se aprofundar mais sobre o tema, Slinkachu publicou um livro Little people in the city.

Seria a obra de Slinkachu uma metáfora da nossa própria existência, perdida, descartável, em meio ao imenso caos em que vivemos?

A obra fazia parte do 2007 Moose Jaw Prarie Arts Festival e o mais impressionante da imagem é que por mais que você lute com seu cérebro para enxergar a rua, não adianta, ele vai forçá-lo a ver a cascata.

Outra pintura não menos fantástica de Edgar Muller.

Dan Bergeron, aka Fauxreel, é um artista de rua e acaba de lançar imagens de sua mais recente série de trabalhos “Face of the city”. A nova coleção conta com obras em papel colado aplicado de uma maneira nova. Ele é um profundo conhecedor das características proeminentes do rosto humano. Em suas intervenções, cria um mix incomum entre o ambiente urbano e suas colagens.

Em projetos mais antigos, veja só o que este sujeito faz com os outdoors…

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Com um estilo único, Loro inova até nos convites para a exposição que você pode ver abaixo (eu ri muito com o convite rs):

Endereço: Rua dos Pinheiros, 493
Horário: 19h

Siga o Loro no Twitter.

Só que esse dia “vip” reuniu DUAS MIL PESSOAS. Fica a pergunta:  Quem precisa de quem? Os artistas da exposição no MASP ou o MASP dos artistas?

A abertura oficial será realizada amanhã (20/11) e a exposição fica no MASP até 05/12.

Veja mais fotos aqui.

De dentro para fora/De fora para Dentro

De 20 de novembro a 05 de fevereiro de 2010
De terças-feiras a domingos e feriados, das 11h às 18h. Às quintas-feiras, das 11h às 20h. Ingressos: Inteira: R$ 15,00. Estudantes: R$ 7,00. Gratuito até 10 anos e acima de 60 anos.

Às terças-feiras a entrada é gratuita para todos

Classificação etária: Livre

MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand
Av. Paulista, 1578.
Fone: (11) 3251 5644.
Acesso a deficientes.

Estacionamento conveniado ao lado, na Av. Paulista, R$ 10,00

Mais informações ao público: http://www.masp.art.br