Não estou querendo ser polêmico, nada disso. Mas, lembra da gerra entre os grafiteiros Banksy e Robbo? Ela teve um novo desdobramento com muitas revelações. Vendo este vídeo, você vai tirar algumas conclusões… Vale muito a pena conferir, aproveite.

Clique aqui para assistir o vídeo inserido.

Criado há apenas uma semana, o @instagrafite é o novo perfil do momento no Instagram para quem gosta do assunto.
Totalizando já seus mais de 650 seguidores, o canal é interessante para quem quer estar por dentro dos novos desenhos grafitados pela cidade de São Paulo e por alguns lugares do mundo. Trabalhos de gente como @speto, @osgemeos, @flipon, Highgraf, Chivitz e Marcelo Ment foram capturados pelo @instagrafite, que tem alguns dos artistas também como seguidores. O mais bacana é a troca de informações gerada pelos comentários das pessoas em cada foto postada pelo Projeto, disseminando e valorizando ainda mais a arte do graffiti. Curte e fotografa graffiti? Então, poste no Instagram seu achado com a hashtag #instagrafite que a melhor foto do dia é publicada no perfil.

Update:

Aproveitando o post, nós também estamos no Instagram, com o perfil @intervencoes. Siga a gente e acompanhe nossas fotos sobre cultura urbana!

Hoje, na categoria Galeria apresentamos um artista urbano de destaque, que há tempos estamos conversando e conhecendo melhor seu trabalho. Segue nossa entrevista exclusiva!

Renato Oliveira, mais conhecido como “Rage”, trabalha como designer e utiliza as horas vagas para interagir no meio urbano. Através da arte, Rage busca fazer com que as pessoas, no cotidiano da cidade, reflitam sobre o que se vê e absorvam o conceito, cada um à sua maneira.

As intervenções são feitas em locais públicos ou meios de transporte, com a intenção de distrair e estimular a visão de lugar-comum de quem transita pelos locais, provocando qualquer sentimento além do cotidiano banal, ou pelo menos um sorriso.

Entre as diversas intervenções em São Paulo, ele comenta sobre as  que mais chamaram a atenção do nosso coletivo:

Image Not Found (ou Mundo Virtual):

“Com essa intervenção, eu procuro ironizar a “vida virtual”, que muita gente dá até mais importancia que a vida real. Quando eu estou no trem, metro ou ônibus mesmo, eu costumo observar as pessoas, e vejo que boa parte delas sempre está mexendo no celular, usando a internet, mandando sms ou coisas do tipo. E esse é um dos motivos para eu focar essa intervenção em trens e metrôs. Até porque o suporte encaixa perfeitamente”

Teias de aranha:

“A idéia inicial era mostrar como o mundo está se tornando cada dia mais artificial. Com essa ideia de montar algo que remetesse ao natural (a teia) utilizando um material artificial (o barbante). Porém eu comecei a ver que outras pessoas enxergavam de modo diferente, como uma critica também a “rede” de computadores (internet), por exemplo, ou com significados de rituais antigos, que veneravam as teias. Essa possibilidade de cada um enxergar de uma maneira diferente é uma das coisas que gosto bastante no meu trabalho.”

Remédios:

“Com os remédios o objetivo é mostrar um pouco das “doenças” da sociedade que normalmente eu observo e mostrar para as pessoas que aquilo tem cura. Por enquanto tenho o Hipocrisil® (contra hipocrisia), Bom-senso®, Desapego®. Mas tenho uma listinha de vários outros que estão por vir.”

Clique aqui para assistir o vídeo inserido.

Além destas, ainda há outras intervenções, exposições, oficinas e trabalhos de Rage que vale a pena conhecer, como a série Futility – A internet evoluiu, e a futilidade também,  e as Oficinas de Stencil para a criançada (fotos abaixo). Acesse seu site e o portifa no Flickr

Nós do Intervenções mantemos nosso compromisso de divulgar artistas como Rage. Se você tem um trabalho bacana, em qualquer cidade do mundo, mande para nós e publicaremos na categoria Galeria e Rede de Coletivos.

Rage, obrigado pela entrevista e seguimos aqui apreciando seu trampo. #noix!

Fonte: Fotos e Vídeos de Renato Oliveira

Ben Wilson é um artista de rua que passa o seu tempo decorando chicletes que as pessoas jogam pelas ruas de Londres. Seu método é bem requintado, ele usa maçarico para aquecer os chicletes e pequenos pincéis para pintar motivos em miniatura. O inglês vem espalhando sua arte pelas ruas há 6 anos. O resultado é incrível, uma verdadeira galeria no pavimento.

Clique e veja o artista Ben em ação.

Clique aqui para assistir o vídeo inserido.

A arte que para muitos é tratada como arte de rua ou urbana tomou seu espaço e se estabece como arte contemporânea. O documentário “De Dentro pra Fora, De Fora pra Dentro“, produzido na exposição que leva o mesmo nome, realizada pelo MASP e a galeria Choque Cultural, discute o pensamento, o estilo de vida, as lutas e referências dessa modalidade de arte dentro do cenário atual.  Recém disponível na web, trouxemos em primeira mão para nossos leitores!

“Fizemos videos perfis dos artistas pra rodar no educativo da exposição e também um curta metragem com curadores analisando para onde essa arte está indo e porque um museu de arte, o MASP –  maior da américa latina, estava interessado em receber pela primeira vez a arte de rua. Era um momento histórico que não podíamos perder. Trabalhamos o curta em alguns festivais e agora está diponível na web para todo mundo poder assistir”, diz a diretora Fernanda Macedo, que também é nossa colaboradora aqui no Coletivo Intervenções.

Ficha Técnica da equipe:

Direção: Fernanda Macedo

Roteiro: Ivi Brasil

Fotografia: Fausto Nocetti, Tatiana Viana, Aldo Ribeiro

Montagem: Pedro Andreta

Arte: Joana Dantas

Produção de INIT artevisual

O nosso coletivo, com orgulho, parabeniza a equipe pelo belíssimo trabalho!

Lá tem várias fotos distorcidas, invertidas, que desafiam a física ou transformam pessoas em displays de banca de jornal. As fotos não têm estilo nem ambiente fixo. Pode ser indoor ou não, iluminada ou não, retrato ou não, dormindo ou não. Tudo para você ver de longe algo que está bem perto. Abaixo, algumas das experiências:

O artista plástico André Araújo tem o punk nas veias, faz um trabalho inquietante e nos mostra em entrevista o que ele pensa sobre a urbanidade, a contracultura, os sabores e dissabores da vida.

1.Como é o seu processo de criação? Seu trabalho é inspirado em personagens marginais, conte nos um pouco sobre isso?

Dentro da temática específica da sexualidade e do undergroud pesquiso de forma investigativa o universo da prostituição, dos butecos, dos desvalidos e reflito sobre esses personagens que, sob o signo da solidão, do isolamento, da alienação e da marginalização desistiram da sociedade. Sempre frequentei o centro das cidades onde morei: Rio de Janeiro, São Paulo e Belo Horizonte. Faço muitas anotações, desenhos, esboços , retratos em cadernos de pesquisa de campo e fotos. Butecos, hotéis, quartinhos fedorentos são sempre os cenários. (caderno de esboços)

2. Seu olhar é bem urbano, visceral. Um trabalho que nos causa uma reflexão sobre o cotidiano, sobre as pessoas e a vida nos dias atuais. Por que escolhe essa temática como centro do seu trabalho?

O underground, a noite , os bares, a zona, os excluídos, o meu cotidiano, a minha vizinhança sempre foram temas recorrentes na minha obra. Procuro me expressar de forma política e contestadora. Empunho o pincel para criticar a sociedade, o consumo e as guerras. Em todos estes anos de trabalho, venho exercitando uma linguagem de resistência e sobrevivência. Acredito que a pintura tem muito a dizer sobre o mundo.

Sempre são seres humanos que povoam as minhas telas. Durante muitos anos trabalho com a temática dos excluidos, das favelas e da violência extrema. No começo me auto intitulava como Expressionista Hardcore, hoje procuro ficar longe dos rótulos. That’s way, I like it – oleo sobre tela – 200 x 120 cm- 2002 – Andre Araujo

Estudei o movimento expressionista, e dos movimentos da arte é o que mais se identifica com o punk. Sempre me opus a uma arte de contemplação e deleite. Me interesso basicamente pelo ser humano e sua mente doentia. Sua dificuldade de sociabilidade e adequação.

3. Você participou de algumas mostras. Quais foram as mais bacanas? Que mostra/ projeto que vc fez e tem um carinho em especial?

Toda mostra é maravilhosa e traumática ao mesmo tempo. Maravilhosa por eu poder interagir com o público, sentir o resultado do trabalho e ouvir opiniões. Um trabalho de arte sem uma mostra não se completa. É como filho que não sai de casa. Tem que fechar o ciclo. Mas a mostra também é madrasta: você se expõe, ouve bobagens e perde um tempo em que deveria estar pintando ou desenhando. A mostra que mais me marcou foi quando expus em Miami nos Estados Unidos. Meu trabalho foi super bem recebido lá, vendi toda a coleção e pela primeira vez me senti um artista famoso. rs,rs,rs.

4. Você é de virgem e tem o pé no chão mas a cabeça você gosta que avoe. Pra onde é que ela está avoando agora?

Isso era uma poesia do Wally Salomão que eu declamei nesse vídeo que está no meu site. Na verdade eu sou de Touro, mas a cabeça eu gosto que avoe… No momento continuo fazendo o que deve ser feito: pintar sem parar, desenhar feito louco e fazer tudo pra não deixar a peteca cair pois o perigo é iminente.

Confira detalhes das obras do artista exibidas neste post clicando aqui.

Stephan Doitschinoff, conhecido como Calma, nasceu em São Paulo, em 1977. É um artista autodidata e sua formação foi muito influenciada pela convivência com os mais diversos tipos de crenças e rituais religiosos.

Cresceu entre várias religiões na família, assim, absorvendo a estética do simbolismo religioso nas mais diferentes situações, na convivência diversa em sua infância e em meio a estudos sobre religiões orientais, alquimia e arte sacra.

A partir de 2002, já envolvido com a cena hardcore e cultura do skate, Stephan passa a interagir e intervir na cidade por meio da pintura e da aplicação de pôsteres, adesivos e estênceis. Representado no Brasil pela Choque Cultural, seu estilo se destaca na cena da nova arte urbana, gerando convites para participar de exposições em diferentes cidades do Brasil, dos Estados Unidos e da Europa.

Após residência artística na Inglaterra, retorna ao Brasil e parte para o desenvolvimento de seu mais audacioso projeto artístico: Lençóis (BA). Imerso na realidade dessa cidade onde morou por três anos (de 2005 a 2008) e tendo como fonte de referência e inspiração as crenças e histórias de seus moradores, Stephan realizou intervenções na cidade e seus arredores.

Clique aqui para assistir o vídeo inserido.

As fachadas dos casebres, a igreja e até mesmo o cemitério formaram um conjunto pictórico de dimensões grandiosas. Essa grande instalação urbana, que envolveu toda a população da cidade, é um trabalho de fôlego que desenvolve importantes questões sobre as dimensões político-sociais da arte pública.

A experiência foi documentada no filme acima chamado Temporal, produzido pela Movie Art, e em sua monografia Calma. The Art of Stephan Doitschinof, publicada pela editora alemã Gestalten.

Nós do Intervenções somos grandes admiradores do trabalho do Stephan, e fica aqui nossos votos de sucesso contínuo!

Sue Dias tem 27 anos, é ilustradora residente em São Paulo, ilustra desde que “se entende por gente” mas começou a dar a importância para a arte quando estudou Design de Moda em 2000, aí ela percebeu que, o que podia fazer com mais treino e dedicação poderia ter um valor artístico que poucos conhecem. Partiu da Moda e resolveu cursar Publicidade também, pois, viu nesta área possibilidades mais amplas para o que fazia. Hoje é diretora de arte e ilustradora freelancer.

Divide seu tempo entre as duas coisas, mas sua paixão maior esta na ilustração, na busca por novas técnicas e experimentações que lhe permitam evoluir. Gosta do trabalho gestual, solto, intuitivo e busca inspiração nas experiências vividas. Usa não só a arte para se expressar, mas também a poesia onde se comunica de forma ácida e as vezes bem direta sobre os pensamentos que norteiam a vida, e garante: uma coisa puxa a outra e tudo pode ser um caminho.

Suelen já fez projetos para grandes agências de publicidade (com peças premiadas), atuou em moda desenhando estampas de camisetas da marca Vous e aplicou seu trabalho em projetos de arquitetura. Ela mantém um blog sobre ilustração e outro de poesias, onde podemos conhecer melhor seu trabalho.

Texto: Por ela mesma

Com apenas 3 anos de idade, Marcos Andruchak começou a desenhar com as canetinhas coloridas que ganhou de presente da sua mãe. Aos 15 anos ele pintava seu primeiro quadro e, dois anos depois, participava de sua primeira exposição.

Hoje, Andruchak é um dos maiores exemplos da arte contemporânea brasileira. Natural de São Paulo e atualmente morando em Natal (RN), Marcos é artista plástico muralista e professor do Departamento de Artes da UFRN.

O estilo de Andruchak é forte e inspirador. Seus traços são facilmente percebidos, pois quebram a rotina cinza e carrancuda do espaço urbano fazendo prédios e muros de enormes telas ao ar livre. As cores aplicadas são, na maioria das telas, em tons alegres e quentes.

A técnica de composição utilizada pelo artista é o geometricismo, na qual as linhas da pintura são extremamente controladas, criando um equilíbrio matemático. Isso deve-se ao fato de Andruchak ser formado em Matemática, pela Universidade Estadual do Oeste do Paraná (Unioeste).

Os temas abordados em suas pinturas rementem, principalmente, à cultura, conhecimento, sentimentos e pessoas. O estilo de suas obras sofre influência nítida do Cubismo. Impressionismo, Abstracionismo, Pop Art e Art Naif também influenciaram o pintor, nos seus trabalhos produzidos ao longo dos Anos 1990. Composições em 3D também estão no currículo do artista.

Aliando seu dom ao seu trabalho como educador, Andruchak é responsável pelo Projeto Andruchak Arte Brasil, que pretende levar arte para diversas cidades brasileiras e estimular a produção artística como meio de integração da sociedade com o meio acadêmico. A intenção do projeto é chamar pessoas que gostam de arte para uma discussão sobre conscientização e cidadania. Os Estados do Rio Grande do Norte e da Bahia foram os primeiros contemplados com o projeto, que tem apoio da iniciativa privada e da UFRN.

Abaixo, conheça alguns exemplos dos painéis do artista:

Para ver mais obras, visite a página de Andruchak no Flickr.

O trabalho do artista visual Diet Munhoz varia entre fotografia, intervenção urbana, design e poesia, sempre provocando a cidade e seus indivíduos. Sua principal influência flui, deságua e jorra do dia-a-dia da grande São Paulo.

Seja em preto e branco ou colorido a vida é registrada em alto contraste, assim como é a realidade de todo paulistano. O urbano é high tech é pós- moderno, é pós-operatório, é póstumo.

Doa a quem doer o cinza da cidade surge todos os dias para a nossa retina em alta definição 2D, 3D,4D  a quarta parede do teatro, presa agora em uma moldura, presa aos  pixels da câmera , presa ao graffiti da lata de spray, ao grafite da ponta do lápis ao grafite, que se torna, um belo dia, um diamante que você não consegue digerir, mas que sempre alimenta sua alma.  A arte uma jóia rara, que você descola fácil em qualquer esquina da Metrópolis.

Diet Munhoz tem 24 anos, mora na cidade de Santo André no ABC paulista, está cursando último ano de Desenho Industrial na Universidade São Judas Tadeu e atualmente trabalha como diretor de arte e ilustrador. Sua relação com desenho começou nos anos 90′s através da pixação e do graffiti. Em 2006 junto com mais três artistas (Bruno Badain, Camila Visentainer e Fábio Eugênio) formaram o coletivo “O Gato Sem Nome” onde dividiu experiências e referências.

Texto de Tarik Frank Lourenço

Fábio Nagate, artista plástico residente em Presidente Prudente-SP, realizou uma série de pinturas em caçambas com a intenção de propor a cidade uma espécie de “exposição itinerante”, para aqueles desprovidos do contato com arte, seja em galerias, museus etc.

As caçambas por estarem em constante mudança faziam com que essa exposição ao ar livre fosse vista por diversas pessoas em locais totalmente diferentes.

O projeto teve apoio de uma empresa da cidade, aceitando em disponibilizar as caçambas pra que houvesse a intervenção. Infelizmente um certo dia apareceu em um jornal da cidade que uma lei municipal proibia pinturas dessa forma nas caçambas sob pena de multa.

Partindo do princípio que o artista não tinha intenção em burlar lei alguma, Fábio Nagate passou a realizar pinturas em muros deteriorados, casas abandonadas e esquecidas em meio à cidade, dando de certa forma continuidade ao projeto.

Fábio Nagate tem 25 anos, nasceu na cidade de São Paulo, e desde os 13 anos mora na cidade de Presidente Prudente-SP, se formou em Artes Plásticas na Universidade Estadual de Londrina e Pós-Graduação em Arte Educação na Unesp de Presidente Prudente.

Atualmente trabalha dando oficinas de pintura mural, estêncil, sticker e realiza exposições com seu trabalho.

Nesta edição de “Nomes da Arte” decidimos valorizar um um artista já amplamente conhecido por sua obra, e não necessariamente alguém que está buscando espaço na cena artística. Isso porque apesar da repercussão de sua obra, muita gente não conhece quem é o artista. Com vocês, Vik Muniz:

Vicente José de Oliveira Muniz (São Paulo SP 1961). Fotógrafo, desenhista, pintor e gravador.

Em 1983, passa a viver e trabalhar em Nova York. Realiza, desde 1988, séries de trabalhos nas quais investiga, principalmente, temas relativos à memória, à percepção e à representação de imagens do mundo das artes e dos meios de comunicação. Faz uso de técnicas diversas e emprega nas obras, com freqüência, materiais inusitados como açúcar, chocolate líquido, doce de leite, catchup, gel para cabelo, lixo e poeira.

Em 1988, realiza a série de desenhos The Best of Life, na qual reproduz, de memória, uma parte das famosas fotografias veiculadas pela revista americana Life. Convidado a expor os desenhos, o artista fotografa-os e dá às fotografias um tratamento de impressão em periódico, simulando um caráter de realidade às imagens originárias de sua memória.

Nas séries seguintes, que recebem, em geral, o nome do material utilizado – Imagens de Arame, Imagens de Terra, Imagens de Chocolate, Crianças de Açúcar etc. -, passa a empregar os elementos para recriar figuras referentes tanto ao universo da história da arte como do cotidiano. Seu processo de trabalho consiste em compor as imagens com os materiais, normalmente instáveis e perecíveis, sobre uma superfície e fotografá-las. Nessas séries, as fotografias, em edições limitadas, são o produto final do trabalho. Sua obra também se estende para outras experiências artísticas como a earthwork e as questões envolvidas no registro dessas criações. Fonte

Abaixo, um vídeo que mostra o artista andando por São Paulo com uma câmera na mão e seus pensamentos sobre o que vê:

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O duo 6emeia foi criado e desenvolvido pelos artistas Anderson Augusto conhecido como SÃO, e Leonardo Delafuente conhecido como Delafuente, moradores do bairro da Barra Funda onde se iniciou o projeto com o intuito da mudança e transformação do cotidiano. O objetivo é modificar o meio ao qual todos vivemos propondo um novo olhar e uma reflexão em cima de temas gerados pelo trabalho inusitado e criativo, que consiste em pintar bueiros, postes, tampas de esgoto e qualquer outro objeto que construa o cenário urbano. Na foto, ação recente na Barra Funda.

Inspirada na vida dos ascetas, nessa nova fase o artista procura refletir sobre os tipos de sacrifícios e privações necessárias para o homem contemporâneo conseguir viver plenamente, “Penso no homem que busca uma maneira de viver nessa sociedade, porém sem negá-la ou dela se excluir”, comenta Doitschinoff.

Cras, “amanhã” em latim, está marcado na figura de Santo Expedito, simbolizando a urgência de fazer o que deve ser feito, hoje, sem deixar para amanhã o que realmente importa. O novo ascetismo prega exatamente essa urgência. “Ele refuta as grandes corporações, estimulando os pensamentos obsessivos, através do apelo às emoções básicas do ser humano”, conta Stephan sobre sua inspiração.

Via Catraca Livre.

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O Poro é uma dupla de artistas formada por Brígida Campbell e Marcelo Terça-Nada!. É de Belo Horizonte e atua desde 2002 com trabalhos que buscam apontar sutilezas, criar imagens poéticas, trazer à tona aspectos da cidade que se tornam invisíveis pela vida acelerada nos grandes centros urbanos.

Através da realização de intervenções urbanas e outras ações artísticas, o Poro procura levantar questões sobre os problemas das cidades através de uma ocupação poética dos espaços.

Depois de muito trabalho, eles estão lançando o Documentário “Poro – intervenções urbanas e ações efêmeras” que aborda as principais intervenções urbanas realizadas entre 2002 e 2009 pela dupla. Além das imagens e registros, boa conversa sobre arte no espaço público e questões tangentes. Foi produzido durante o ano de 2009 em parceria com a AIC (Associação Imagem Comunitária).

O desenho, que desde cedo foi para o artista uma atividade constante, foi se estruturando e ganhando materialidade na corporificação da pintura. Atividade que desde 2003 vem estimulando sua intensa imersão em atelier. Do contato com a produção de Iberê Camargo e artistas que manteve contato no Instituto de Artes da UFRGS, como Teresa Poester e Flávio Gonçalves, iniciou uma valorização do gesto e da ação física na criação de seus trabalhos, sempre com a preocupação de manter a gestualidade característica de seus desenhos.

Imerso nesse ambiente de criações interativas, Reichert começou ainda em 2003, a trabalhar com materiais de circulação impressa como a revista alemã Humboldt, distribuída pelo Instituto Goethe. O artista buscava a fusão da pintura e do desenho com a estrutura rígida do meio impresso, criando assim uma nova imagem. E comenta: “Linguagens distintas quando colocadas em relação no mesmo espaço só criam uma nova linguagem quando se reconfiguram, se entrelaçam, uma em função da outra”.

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Dessa atividade constante surge entre outros, a série Humboldt Revista, intervenções com diversos materiais sobre as páginas da revista,como num processo de ocupação de lugar marcado, uma espécie de site specific work. Fato que encontrou eco no corpo editorial da mesma, no ano de 2009, em publicação especial comemorativa dos 50 anos da revista alemã. Tendo recebido em 2008, o Prêmio Cultura RBS Artista Revelação e o Prêmio Açorianos de Artes Plásticas também como Artista Revelação pela mostra Humboldt Revista no Atelier Subterrânea na capital gaúcha em 2007. Ainda em 2008 é contemplado como Destaque na Bolsa Iberê Camargo.

Esta intervenção foi feita em Botafogo (RJ) e fotografada pela Gabriela Alvarenga. Sabe quem é o autor da ação, comenta aqui!

* Atualização 4/3: O autor da ação é o artista Rodrigo Pereira